La conversación con José María.

He tenido la inmensa suerte de crecer profesionalmente al lado de grandes fotógrafos, entre ellos José María Alguersuari.
A estas alturas sobran presentaciones. Él ha sido uno de los principales baluartes del fotoperiodismo español, precursor absoluto de la modernidad en la fotografía deportiva en nuestro país. En palabras de Pepe Baeza: "Es una de las referencias más clásicas de la fotografía de prensa en Barcelona. Su forma de hacer marcó pautas y sirvió de modelo a buena parte del colectivo profesional".
A raíz de la carta de Sergio Larraín que publiqué recientemente, el pasado domingo tuve una interesante conversación con José María.
Me comentó que le había gustado ese texto pero también se preguntaba que le hubiera dicho actualmente Larraín a su sobrino, considerando el mal momento que pasan los soportes donde tiene cabida el fotoperiodismo.
A raíz de esa duda, escribió una carta que me mandó. Al leerla pensé que ubicarla en los "Comentarios" podía quedar excesivamente escondida así que le propuse publicarla en un artículo para que su lectura pudiera ser mayor.
Independientemente de estar de acuerdo o no, consideraba que podía ser interesante tratándose de un profesional de su talla, galardonado con infinidad de premios, entre ellos el de mejor fotógrafo del año en 1990.
La carta decía así:

David,
Hace 50 años como sabes, yo comencé hacer fotos - era casi un niño- para venderlas y... poder vivir de ellas. El "arte", si apareció, no estoy muy seguro de eso, vino después de fastidiar muchas fotos.
Esta entradilla tiene que ver con esa carta, bella y poética. Pero la cuestión para mí, es si el sobrino quería consagrarse a la fotografía como afición ...o ganarse la vida con ella.
Si ocurrió lo primero, es posible que pudiera dedicarse a " hacer gimnasia, entretenerse en otras cosas y no preocuparse mas "-como le expresa su tío ,el fotógrafo ,porque se supone que tendría algún otro medio de mantenimiento.
Si por el contrario lo que estaba buscando era abrirse una puerta en el mundo profesional de 1982 ,entonces, la carta hubiera sido un buen respaldo de ideas ,pero poco determinante ,porque....en esa época no solo los fotógrafos de Mágnum estaban encantados de la vida - también muchos foto-periodistas españoles que tu conoces- porque publicaban, cobrando en muchas ocasiones compensaciones económicas importantes por sus reportajes y sobretodo había trabajo, incluso para el sobrino. (siempre quedaba alguna excepción). Fueron unos años ,finales de los 70 y primeros de los 80, en los que se abrieron nuevos campos -diarios y revistas nuevas- y en que aparte de bien pagados ,los fotógrafos, teníamos una buena consideración por parte de los medios que dignificaba la profesión.
Pero, ! ah !, querido David, los fotógrafos de Mágnum ya no sonríen. Y tampoco los que luchan en abrirse paso entre las tinieblas de la crisis - yo creo que se ha convertido en un cambio económico social mas complejo.
Los fotógrafos vendíamos en esos años una sencilla diapositiva, por ejemplo de la Sagrada Familia por 20.000 pts. (130 euros) ,y si colocábamos 5, ganábamos mas que el sueldo mensual fijo de un periodista de entonces.( ¿ Vendrá de ahí ese desencuentro de algún compañero de pluma con las secciones de fotografía en las redacciones?
Quizás sorprenda con ese lado mercantilista ,pero la carta de Larrain tiende a producirme una leve sonrisa de ingenuidad desde la distancia histórica y hace remover mi lado mas malévolo en forma de una sola pregunta:
Cuando los organizadores del Visa francés intentan escapar de la masificación reiterativa de imágenes , intentando sobrevivir entre los escombros de Photoshops desproporcionados ,cuando el vecino de enfrente te enseña unas fotos suyas hechas en Fuengirola a las 2 del mediodía en plena canicula, que le han publicado en la revista "Sol, Sombra y Viajes" a cambio de un billete Ryanair de 28 euros a Tenerife,cuando los medios han congelado prácticamente las colaboraciones fotográficas, cuando lo máximo que viaja un enviado especial "pagando" el diario es a Santa Coloma de Gramanet y en metro,cuando a nadie le interesa publicar ni en exclusiva una masacre de cuarenta millones de chinos muertos por que se las ha caído una montaña encima y tu estabas allí, cuando los fotógrafos de bodas regalan la idem a cambio de "a ver si se quedan unas copias",cuando...
Cuando hoy,en el año 2010,un estudiante de fotografía o sin ir mas léjos, el propio sobrino de Sergio Larrain, le preguntara como se podría ganar la vida dignamente,-no muy, muy dignamente, solo un poco-,como fotógrafo,...¿que le diría? ¿Le contestaría con esa misma carta?
Recuerdo una anécdota del malogrado amigo y gran fotógrafo Miserachs .La he maquillado un poco pero mas o menos sucedió así.
Durante una fiesta ,se le acerco una señora de la alta burgesia y le dijo:
!Ay, Miserachs!, !Tendría que usted que venir a la cacería que dan los Sres De Ayala. !No sabe que belleza de lugar! !Las fotos tan bonitas que podría hacer! !Unas puestas de sol fabulosas! !Unos bosques maravillosos!
El gran fotógrafo, que era muy educado, mirando de reojo y con disimulo a los lados ,le contestó: Pero...¿Quien me las compra?
Larrain al final le dice a su sobrino, como si fuera una premonición:
"El mundo convencional te pone un biombo".
¿A que se refería? ¿A la fotografía digital? .


Antes que aportéis vuestra opinión, quisiera ofrecer la mía.
Si algo ha caracterizado a José Maria, y eso que es un soñador empedernido, es su empeño en dejar al menos un pie en el suelo y afrontar las cosas con cierta frialdad.
En la carta plantea preguntas que sus respuestas son interesantes. Por otro lado considero que la carta de Larraín, a pesar de haber sido escrita haca casi treinta años, tiene una vigencia absoluta ya que, a mi entender, lo que está transmitiendo a su sobrino es el amor hacia un oficio.
Son textos repletos de amor hacía la fotografía y que ahora más que nunca son necesarios. Son como tomar un "Gelocatil" cuando a uno le duele la cabeza. Su lectura puede convertirse en un remanso de paz tras un día de locos en la redacción. Una forma más de aferrarnos a la "lírica" para los que todavía vivimos la fotografía como una pasión.

La carta de José María me parece una reflexión necesaria sin que ello signifique desbaratar la carta de Larraín, porque sé que en muchas ocasiones, "Alguer" también ha partido a la aventura como un velero, ha vagado por partes desconocidas y se ha sentado cansado debajo de un árbol.

¿Cual de ellas fue publicada?

Hoy lo haremos al revés.
Aquí tenéis estas tres fotografías realizadas por Akhtar Soomro de la agencia Reuters en Sultan Kog, Pakistán. donde se observa como, a causa de las fuertes inundaciones, han desaparecido prácticamente las vías férreas.
¿Cual de ellas se publicó?

Número 1.

Número 2.

Número 3.


En unos días os daré la respuesta.

Carta a un sobrino.

Y de repente, internet se convierte en la isla del tesoro.
La semana pasada, navegando por la red de visita por mis web´s y blogs preferidos, encontré en el blog de José Manuel Navia una invitación para visualizar en youtube la carta que el fotógrafo de Magnum Sergio Larrain había escrito en 1982 a su sobrino cuando este le comunicó su deseo de ser fotógrafo.
Me pareció tan maravillosa que le robé una hora a la cotidianidad para transcribirla y así darle luz en TWS.
Ahora os toca a vosotros ganar unos minutos al día para gozar con este escrito. No os arrepentiréis.


" Miércoles.
Lo primero de todo es tener una máquina que a uno le guste. La que más le guste a uno, porque se trata de estar contento con el cuerpo, con lo que uno tiene en las manos y el instrumento es clave para el que hace un oficio y que sea el mínimo, lo indispensable y nada más.
Segundo. Tener una ampliadora a su gusto, la más rica y simple posible. En 35mm, la más chica que fabrica Leitz es la mejor, te dura para toda la vida.

El juego es partir a la aventura como un velero, soltar velas. Ir a Valparaíso, o a Chiloé, o por las calles todo el día. Vagar y vagar por partes desconocidas y sentarse cuando uno está cansado bajo un árbol. Comprar un plátano o unos panes y así tomar un tren. Ir a una parte que a uno le tinque y mirar.
Dibujar también, y mirar. Salirse del mundo conocido, entrar en lo que nunca has visto. Dejarse llevar por el gusto. Mucho de ir de una parte a otra por donde te vaya tincando. De a poco vas encontrando cosas y te van viniendo imágenes y como apariciones las tomas.

Luego que has vuelto a la casa, revelas, copias y empiezas a mirar lo que has pescado. Todos los peces y los pones con su scotch al muro. Los copias en hojitas tamaño postal y los miras. Después empiezas a jugar con las “eles” a buscar cortes, a encuadrar y vas aprendiendo composición, geometría. Vas encuadrando perfecto con las “eles” y amplías lo que has encuadrado y lo dejas en la pared, así vas mirando para ir viendo. Cuando se te hace seguro que una foto es mala, al canasto altiro. La mejor la subes un poco más alto en la pared. Al final guardas las buenas y nada más. Guardar lo mediocre te estanca en lo mediocre. En el tope nada más lo que se guarda, todo lo demás se bota, porque uno carga en la psiquis todo lo que retiene.

Luego haces gimnasia, te entretienes en otras cosas y no te preocupes más. Empiezas a mirar el trabajo de otros fotógrafos y a buscar lo bueno en todo lo que encuentres: libros, revistas, etc. y sacas lo mejor, y si puedes recortar, sacas lo bueno y lo vas pegando a la pared al lado de lo tuyo y si no puedes recortar, abres el libro o la revista en las páginas de las cosas buenas y lo dejas abierto en exposición.
Luego lo dejas semanas, meses. Mientras te dé, uno se demora mucho en ver pero poco a poco se te va entregando el secreto y vas viendo lo que es bueno y la profundidad de cada cosa.

Sigues viviendo tranquilo, dibujas un poco, sales a pasear y nunca fuerces la salida a tomar fotos porque se pierde la poesía. La vida que ello tiene se enferma. Es como forzar el amor o la amistad, no se puede. Cuando te vuelva a nacer puedes partir en otro viaje, otro vagabundeo a Puerto Aguirre. Puedes bajar el Baker a caballo hasta los ventisqueros desde Aysén. Valparaíso siempre es una maravilla. Es perderse en la magia, perderse unos días dándose vueltas por los cerros y calles y durmiendo en saco de dormir en algún lado en la noche y muy metido en la realidad, nadando bajo el agua que nada convencional te distrae, te dejas llevar por las alpargatas lentito, como si estuvieras curado por el gusto de mirar, canturreando, y lo que vaya apareciendo lo vas fotografiando ya con más cuidado. Algo has aprendido con el componer y cortar y así se sigue. Se llena de peces la carreta y vuelves a la casa.

Aprendes foco, diafragma, primer plano, saturación, velocidad, etc. Aprendes a jugar con la máquina y sus posibilidades y vas juntando poesía, lo tuyo y lo de otros. Toma todo lo bueno que encuentres, bueno de los otros. Hazte una colección de cositas óptimas, un museito en una carpeta,
Sigue lo que es tu gusto y nada más. No le creas más que a tu gusto. Tú eres la vida y la vida es la que se escoge. Lo que no te gusta a ti no lo veas, no sirve, tú eres el único criterio pero ve de todos los demás.

Vas aprendiendo.
Cuando tengas una foto realmente buena la amplías, haces una pequeña exposición o un librito. Lo mandas a empastar y con eso vas estableciendo un piso. Al mostrarlas te ubicas de lo que son según las veas frente a los demás, ahí lo sientes.
Hacer una exposición es dar algo, como dar de comer. Es bueno para los demás que se les muestre algo hecho con trabajo y gusto. No es lucirse uno, hace bien, es sano para todos y a ti te hace bien porque te va chequeando.
Bueno, con esto ya tienes para comenzar.
Es mucho vagabundeo, estar sentado debajo de un árbol en cualquier parte. Es un andar solo por el universo. Uno nuevamente empieza a mirar, el mundo convencional te pone un biombo y hay que salir de él durante el periodo de fotografía.

Sergio Larrain, Chile 1.982."

AMÉN

El agua borró su rostro.

A menudo tengo por costumbre guardarme imágenes en el escritorio.
Durante el día, llegan muchísimas desde todo el mundo aunque hacemos un marcaje más férreo a todos aquellos temas que serán publicados. Pero de repente surgen fotografías que guardo, bien porque me gustan o por pensar que pueden servir en un momento dado.
El miércoles por la mañana, Susana Quadrado, redactora jefe de Tendencias, me pidió una imagen de Pakistán que ilustrara un artículo sobre el porque una tragedia de ese calibre no conmueve lo suficiente como para volcar en ella mucha más ayuda. Podríamos llamarla la tragedia de los olvidados.
Rápidamente me vino a la cabeza una foto que había guardado. Era más bien una imagen simbólica donde dos manos sujetaban un pequeño marco donde aparecía la mitad de un rostro. La otra mitad había sido borrada, olvidada por el agua.


Era una imagen del fotógrafo Tim Wimborne de la agencia Reuters. Era casi pictórica y no dudé ni un momento en aprovechar esas cinco columnas para que luciera como merecía.

Una difícil elección.

En ocasiones, la edición de una fotografía se complica más de lo previsto a causa de la calidad de las imágenes y sino observar estas cuatro realizadas por el fotoperiodista de la agencia Getty Daniel Bereluak.
Llegaron a la redacción el pasado domingo 22 de agosto por la tarde. En ellas podemos ver una serie de personas afectadas por las inundaciones que está sufriendo Pakistán atravesando campos de arroz durante la noche. El tipo de luz que los ilumina muy posiblemente provenga de un vehículo. Eran una seria opción como foto de portada hasta que llegó la noticia de la liberación de los cooperantes secuestrados en Mauritania.

Número 1

Número 2

Número 3

Número 4

En mi opinión, de todas las imágenes que llegaron el domingo desde Pakistán, esta serie que os muestro por orden de recepción destacaba por encima del resto. Como observaréis, la elección no es nada fácil. De las cuatro destacaría la número dos y la tres.
Todo y que la número 1 y la número 2 se asemejan en cuanto situación y composición, creo que la soledad del muchacho en esos campos inundados, con una simple bolsa en una mano y sus zapatillas en la otra, transmitía mejor la impotencia y desesperación en buscar un lugar donde encontrar refugio.
De todos modos, la imagen número 3, con esa luz y trasera, ofrecía una visión distinta, tal vez más enigmática. Desconozco si se trata de un padre y su hijo ya que el pié de foto solo apuntaba a un hombre y un niño.
La elección estaba entre las imágenes número 2 y 3. Finalmente, y no sin serias dudas, aposté por la tercera.


Al día siguiente todavía tenía mis dudas aun sabiendo que se trataba de dos imágenes sublimes.

El rotativo Wall Street Journal colocaba la primera en portada.


El londinense "The Times" hacia lo propio con nuestra elegida, aunque en este caso imprimida en blanco y negro.


En muchas ocasiones la edición no es tan fácil como pueda parecer, aunque es una placer dudar entre fotografías de tanta calidad. Ojalá todos los problemas fueran por el mismo motivo.
¿Hubierais elegido la misma?

La edición de los cooperantes.

La llegada a Barcelona de los dos cooperantes secuestrados en Mauritania, se convirtió ayer martes en el tema de mayor relevancia en los medios de comunicación españoles.
Tras nueve meses de cautiverio, era la mejor la noticia tras un anodino agosto.
Su llegada al aeropuerto estaba prevista sobre las 12, 15 horas de la noche lo que imposibilitaba obtener una imagen que pudiera entrar en página antes de cerrar la primera edición del diario. Veamos como fueron los acontecimientos y su edición gráfica.

Sobre la 20, 15 horas se nos informa que en 15 minutos un grupo de compañeros de la ONG acudirá a recibirlos con alguno de los camiones utilizados en el viaje partiendo desde el puerto Olímpico de Barcelona.
Mandamos a un fotógrafo, Laura Guerrero, esperando obtener una fotografía válida para esa primera edición. El tema es algo soso, es casi de noche pero se consigue esa imagen que sirva como colchón de las posteriores. Elegimos la siguiente imagen.



Cuando la comitiva emprende el camino hacia el Prat, Laura prosigue el seguimiento.
Son las 22.00 horas cuando salta la sorpresa y recibimos de la agencia AFP las primeras imágenes de ambos cooperantes en suelo africano realizadas por el fotógrafo Ahmed Ouoba. Llegan unas cinco o seis imágenes de las cuales consideramos estas dos como las mejores.

número 1


Número 2

Entre ambas existe una clara favorita. El helicóptero, el mediador y los dos cooperantes son elementos suficientes para decantar la balanza hacia la número 1 y sin perder tiempo la colocamos en portada. A la otra imagen le destinamos la apertura de la sección de Política a doble página. Ya podemos cerrar primera edición.

Pasan las horas y la llegada se demora. Se habla de la una o bien casi las dos de la madrugada cuando se espera la aparición de Roque y Albert ante los medios.
Las dos treinta de la noche. Sin noticias.
Por fin, aparecen rodeados de amigos, familiares y políticos. Son casi las dos cuarenta y solo faltan 20 minutos para cerrar la última edición del diario.
Sigo la rueda de prensa por televisión. Es corta y en ningún momento ha existido una imagen a considerar donde ambos estén juntos.
Al finalizar, solo restan unos cinco minutos para el death line, la hora fatídica.
Laura y yo hablamos y le digo que se centre en ambos, que olvide la rueda de prensa. Elige tres fotos que manda inmediatamente.
En estos momentos de tanta tensión, que desengañémonos, son los que más nos gustan, para mi es muy importante mantener la calma y no transmitir nunca al fotógrafo las presiones que puedan venir desde redacción.
De las tres opciones recibidas una destaca del resto y aunque el encuadre es algo lejano, cierro todo lo posible hasta llegar a nuestro objetivo. La imagen es buena con ambos protagonistas saludando con un aspecto de felicidad.





La fotografía de Laura se coloca en portada en lugar del helicóptero que ocupará finalmente la apertura de Política.





Mandamos a página la imagen y emprende el camino a rotativas. Todo ha ido muy justo a causa del retraso de la rueda de prensa pero el objetivo se ha cumplido.
Destacar el gran trabajo realizado por Domingo Marchena de la sección de Cierre y por Ana, la compañera que estaba de guardia en Compaginación que hicieron posible una fluidez y una tranquilidad en el trabajo digno de mención, gracias compañeros.
Hablamos con Laura y me despido, no sin antes agradecerle el esfuerzo.
¡¡ Bravo “Guerrero” !!

A continuación podéis ver las portadas de algunos de los medios de comunicación españoles:

¿Y no será que estamos ante un nuevo lenguaje?

Tras la publicación del anterior artículo, he pensado que posible solución podría tener toda esta problemática, No resulta fácil definir los límites del retoque porqué nunca han existido y hay algo que me preocupa más que todo esto, el uso indiscriminado del verbo “manipular” ,en el panorama fotoperiodístico, desde la llegada de la fotografía digital.

En muchas ocasiones se confunden los términos y se sustituye “retocar” por dicho verbo diabólico, tal vez el más odiado por los que todavía creemos en este santo oficio del periodismo, sea escrito o fotográfico.

Si bien a lo largo de la historia se ha aceptado mayoritariamente la interpretación del negativo monocromo en el laboratorio, y entiéndase por interpretar lo que ya es por todos sabido como las reservas, máscaras, contraste, etc. ¿no será que esa cosa llamada evolución tecnológica, que crece y crece, está proporcionando esa facilidad en el retoque pero también en el mundo del color?
Hace años, hablar de las características y ventajas que ofrecen los programas de retoque fotográfico actuales hubiera parecido de ciencia ficción, dignas de un extracto de “Blade Runner”, vamos, un sueño.

Es innegable que la fotografía digital ha supuesto el acercamiento del gran público al mundo de la imagen. Era una oportunidad única para que se empezara a valorar con mayor criterio nuestro oficio pero por desgracia ha servido más bien para vulgarizarlo.

Ahora todos hacen fotos ¡¡ fantástico !! ¿os imagináis un país donde todo el mundo leyera? Pero no hay que confundir tocar el piano con ser pianista. Para más inri, existen todos esos programas baratos que ayudan a virar en sepia, borrar sujetos, distorsionar las caras, etc. De repente todo es un juego y si yo borro, tu puedes borrar, tu puedes manipular. Se generaliza esa facilidad popular por reinventar una imagen.

Es por ello de la importancia en aplicar unos criterios profesionales, aceptando el libre uso de herramientas que ofrecen la posibilidad de ese retoque deseado y abriendo nuestras mentes a nuevos lenguajes fotográficos, donde la manipulación no esté, ni debe estar presente.

El límite está en el momento.

Antes de entrar en materia, permitidme dar las gracias a todos aquellos que aportasteis vuestra valiosa opinión sobre esta fotografía. De los comentarios escritos, se desprendían opiniones de diversa índole y en algunos casos aportaban datos históricos sobre la misma. Enrique, que bueno que viniste pibe!!!!
De nuevo, MUCHAS GRACIAS A TODOS.



Pero entonces… ¿qué buscaba realmente con esas preguntas que os planteé?

En el artículo anterior al post en cuestión, os mostraba el texto que Jean François Leroy había incluido en la web oficial de “Visa Pour L´Imatge”, destacando negativamente el exceso de retoque que, según Leroy, padecía el fotoperiodismo actual.
Es un tema que desde hace algún tiempo levanta pasiones enfrentadas entre partidarios y detractores y las preguntas se desencadenan y se repiten una y otra vez ¿Es o no es válido? ¿Cuál es el límite?
Son varios los ejemplos que existen pero tal vez uno de los más conocidos, por ser de los más recientes, es el del fotógrafo Klavs Bo Chritensen y su fotografía de Haití, descalificada en el certamen danés Picture of the Year por considerar el jurado un exceso de manipulación del color.


En la reflexión que hace Eduardo de Francisco en un comentario del blog plantea una cuestión que considero realmente interesante, ¿que hubiera ocurrido si se hubiera tratado de una imagen en blanco y negro? ¿ estaríamos hablando de manipulación o la fotografía hubiera sido aceptada sin problema?


Pero volvamos a nuestro querido WES. La fotografía de Smith muestra unas enfermeras con un bebe bajo una iluminación tenue pero… ¿existía realmente esa luz?
En una de las páginas de su maravilloso y aconsejable libro “The Camera as conscience”, el propio Smith nos muestra la imagen, digamos, virgen y con su posterior interpretación en el laboratorio. (Clickar sobre el documento para verlo a mayor tamaño)


Si observamos con detenimiento, de repente las sábanas ya no son blancas, las sombras están totalmente oscurecidas, la cara de la enfermera de la izquierda tiene detalle y ese niño que apenas se distingue pasa a ser prácticamente blanco.
Y me pregunto ¿Que diferencia existe entre el ejemplo de Chritensen y el de Smith para que uno sea históricamente aceptado y el otro actualmente rechazado? No encuentro respuesta a menos que vincule esta problemática a un miedo atroz al mundo digital.

El objetivo de mis preguntas era comprobar si en alguno de los comentarios se ponía en duda la veracidad o el exceso de retoque de la imagen y salvo en uno que borré aclarando al autor el porqué lo hacía (disculpa Jordi), en ninguno aparecía referenciado ese tema.
Lógicamente. En las dos instantáneas existe el momento de la toma, esa fracción de segundo sin manipulación alguna. Ni se han incluido ni borrado items y lo que muestran los autores es la imagen tomada en un momento dado.
Si existe una interpretación de los colores y los grises pero esto a existido desde siempre porque en el laboratorio interpretábamos el negativo.
Nos podía gustar ser más fieles a los tonos reales, o bien subir el contraste, levantar esas altas luces para conseguir información, enmascarar una sombra hasta conseguir ver detalle… ¡¡¡¡que analógico suena todo esto!!!!! Pero... que hermosas eran las horas con luz roja.

En la web de Juan Manuel Castro Prieto, gran fotógrafo y laboratorista entre otros de Cristina García Rodero, Madoz o Alix, dice:

Cuando positivo a un fotógrafo me meto en su piel. Cuando positivo a Cristina García Rodero, me pongo en el lugar de ella y como sé lo que le gusta, lo intento plasmar en el positivo. A veces, es inevitable que cada uno tiene su forma de interpretar el positivo y evidentemente, algo meto de mi forma personal de positivar pero siempre procuro adaptarme al fotógrafo. Un positivo de los que hago a Chema Madoz no tiene nada que ver con uno que le haga a Cristina García Rodero. Cada autor tiene sus gestos y por ejemplo a García Alix le gustan los positivos más suaves. Las primeras copias que hago de un fotógrafo sirven para ir ajustándome a su estilo de positivos.

Por lo tanto, Prieto está “solamente” realizando lo que se ha hecho y se ha aceptado a lo largo de la historia del fotoperiodismo, INTERPRETAR UN INSTANTE.
En talleres impartidos por Cristina García Rodero, la fotógrafa a mostrado imágenes con un copiado sublime y la misma tras el copiado de Prieto. Al verlas solo aparece una duda, fruto de la maestría de Juan Manuel ¿Pueden surgir estas dos imágenes del mismo negativo? Claro que si, solo hay que ser Castro Prieto.
Pero nadie pone en duda la veracidad y autenticidad de ese momento crucial en el que Cristina decidió apretar el obturador y esa es la clave.
Y como Rodero podríamos citar a multitud de prestigiosos fotógrafos en los que el copiado tiene un factor muy importante en su obra pero atención, esto no debe llevar a desprestigiar el momento de la toma porque todas esas imágenes a las que podemos referirnos tiene al factor más importante de una imagen, ALMA.
Alma en la mirada, Alma en el momento, Alma en el mensaje y esto existe o no existe, por mucho que volquemos días en el laboratorio u horas ante el ordenador.

La foto de Eugene Smith nos gusta porque tiene alma, nos transmite paz y el trabajo de laboratorio se convierte en el transmisor de todas esas sensaciones pero no hay ninguna manipulación del tiempo, de esa fracción de segundo. También es cierto que se trata de una imagen fronteriza entre la lectura de un negativo y la manipulación a causa del cambio en el color de la piel que aplica al bebe.
Entonces ¿a que llamamos realidad si nos referimos al retoque fotográfico?
Siempre se ha considerado la transparencia, la diapositiva, como el soporte que mejor y de un modo más fiel reflejaba el color real. Tan solo revelando la emulsión obteníamos el resultado final. Un mismo proceso E-6, salvo en casos como el Kodakchrome, sentenciaba todo lo captado en el momento del disparo.
Pero incluso en estos casos, cada fabricante de película tenía y tiene una tendencia tonal. Así pues, incluso usando este fiel soporte, la realidad podía variar ligeramente aun siendo lo más cercano a ella.

Admiro el trabajo de fotógrafos como Alex Webb, Harry Gruyaert o nuestro querido Navia por su gran dominio y conocimiento a la hora de trabajar el color en el momento justo de accionar el obturador pero también existen otros discursos visuales como el del inglés Martin Parr y sus fotografías repletas de colores chillones que poco tienen que ver con la realidad cotidiana y no por ello pierden su valor documental. En este caso, Parr utiliza ese color como un signo identificativo más de un estilo propio. ¿Es el color real? No, pero lo asociamos a este fotógrafo sin poner en peligro la veracidad de sus reportajes.

Son estilos, tendencias, como la que últimamente hemos podido apreciar por parte de algunos fotógrafos de agencias internacionales oscureciendo todos los lados de la fotografía tal y como podéis apreciar en este grupo de imágenes.


Personalmente no me gusta, sobretodo porque las imágenes como tal son buenísimas y no creo que ese viñeteo aporte algo más, es un recurso más efectista que efectivo pero no por ello pierden su valor informativo, es tan solo una cuestión de gustos.

¿Y si encuadramos la imagen? ¿También estamos manipulando? ¿Pierde credibilidad esa fotografía? Cuando reencuadramos opinamos al igual que seleccionamos un espacio a la hora de fotografiar, y sino que se lo pregunten a William Klein.

Entonces ¿A que responde tanta polémica? No es la primera vez que leo un texto de Leroy y desde aquí todo mi respeto hacia su persona y labor. En ocasiones he estado totalmente conforme con su mensaje pero creo que el tema que plantea se contradice en cierto modo con multitud de exposiciones de éxito que han pasado por Perpiñán, de autores donde el trabajo de laboratorio era notable y se han considerado como grandes reportajes, con extraordinarias luces, con profundos mensajes, sin poner en duda la verdad de sus mensajes.

Así ha sido y así nos lo han contado solo que ahora el enchufe no es para el temporizador, la ampliadora o la secadora, ahora es para el ordenador.
Y el debate seguirá, al igual que lo ha hecho desde los inicios analógicos pero sea como sea, volveremos un año más a Perpiñán para disfrutar del Alma y la Honestidad de los fotógrafos.

The Independent.

El rotativo inglés The Independent ofrecía el pasado viernes esta portada con motivo de la retirada de tropas estadounidenses de Iraq con la imagen de Maya Alleruzzo de la agencia AP que podéis ver a continuación.


A pesar de la tipografía usada en la parte superior e inferior de la portada que despista un poco la mirada, el modo de mostrar la noticia de Iraq me recordó, no sé porque, aquellos años 90, cuando dicho rotativo, todavía en blanco y negro, se convirtió en toda una referencia en el tratamiento gráfico, con un excelente equipo de fotógrafos comandado por Brian Harris y una edición gráfica sobresaliente.
El texto en blanco escrito encima de la imagen y esa pastilla en el lado derecho no benefician la lectura gráfica pero una limpieza visual reina en toda la extensión de la página.

Un pequeño favor.

¿Os puedo pedir un pequeño favor muy sencillo?

¿Podéis darme vuestra opinión sobre esta imagen de W. Eugene Smith?
¿Os gusta?, ¿Que os transmite o sugiere?, etc.
Estoy preparando un artículo para TWS y preciso vuestra ayuda. Vuestra aportación es muy importante.
No hace falta una disertación. Contra más clara y concisa sea la respuesta mejor.
Podéis ver la imagen a mayor tamaño en este enlace: FOTO

Venga, ánimo y muchas gracias.

¡ Socorro! ¡ Se han vuelto locos!. Visa 2010.

Fiel a su cita anual se presenta una nueva edición de “Visa pour l´image” que dará inicio el próximo 28 de agosto en Perpiña.
Navegando por su web, he encontrado este texto escrito por Jean- Fraçois Leroy titulado ¡Socorro! ¡Se han vuelto locos!.
Toda una invitación para debatir el exceso de manipulación que, según Leroy, adolece actualmente el fotoperiodismo:

Ya se sabe, son tiempos difíciles para los fotógrafos: vaya eufemismo. Los nuevos modelos aún están por inventar. La prensa ha perdido su rol preponderante en la difusión de reportajes. La producción se ve reducida mes a mes, día a día. Los precios han descendido de manera muy significativa. Hay que encontrar nuevos canales, nuevas distribuciones, nuevas ideas...
Al mismo tiempo, la fotografía digital ha enterrado a la analógica mucho más rápido de lo que nadie hubiera previsto. Esta revolución ha aportado nuevas herramientas, como los programas de tratamiento de imagen. Lo que tendría que haber sido una simple ayuda, se ha convertido en un peaje obligatorio. ¡Qué lástima! Porque para añadir un poco de contraste o despejar una zona demasiado sombría, se podría hacer con una ampliadora. ¡Pero no! Se opta por acentuar excesivamente la imagen, se dramatizan las nubes, se juega con los colores, se añade materia... ¿Dónde está la realidad en todo esto? Hemos contemplado Puerto Príncipe tras el seísmo del 12 de enero. ¿Habíais visto alguna vez el cielo púrpura de Puerto Príncipe, sembrado de nubes rosadas? ¿Con grabados tan blancos que ciegan? ¿Con haitianos que cobran un color gris en vez de negro? ¿Con sangre de color rojo como la vergüenza? Una realidad travestida, transformada, retocada para satisfacer una estética que desconocemos. De repente, los fotógrafos que todavía se muestran reticentes a este tipo de exceso pasan por malos. Sí, su cielo es bajo y gris, sus haitianos son negros, sus grabados tienen colores apagados.... No dejan de repetirnos que se trata de una elección, y que tenemos derecho a interpretar. Que esto siempre se ha hecho. Puede que sí... Entonces, digamos sí a la interpretación, con el límite de la decencia, ¡pero no de la transformación! Queda abierto el debate en Perpiñán, porque esto ya es demasiado...
Jean-François Leroy

Un debate suculento, sin duda.

Trabajar en zonas de conflicto.

Aquí tenéis tres vídeos con una misma temática, fotografíar en zonas de conflicto.
En ellos podréis escuchar el testimonio de grandes fotógrafos como Larry Burrows, Luc Delahaye, James Natchwey o Gilles Peres entre otros.
Dedicarle un ratito a su visionado. Vale la pena.

James Nachtwey - War Photographer (2001) from Photographers in Conflict on Vimeo.

Luc Delahaye - About Bosnia from Photographers in Conflict on Vimeo.

Patrick Chauvel, Antoine Novat - War Reporters (1999) from Photographers in Conflict on Vimeo.

Murdock y el IPad.

A medida que pasan los meses, son más los medios de comunicación que consideran el IPad como una herramienta de futuro, una plataforma válida para aumentar los lectores realizando una nueva versión de sus productos o bien una aplicación especifica para este soporte.

Según informa Appleweblog, el magnate Rupert Murdock lanzará un periódico exclusivo para Ipad que competiría directamente con Usa Today y NewYork Times.
Para Murdock, crear una publicación que solo pudieran leer los propietarios de una plataforma Apple, tanto en formato tablet como terminal movil, sería otra opción en lugar de adaptar el papel al formato digital.
Como ya os mostramos en TWS cuando hablamos de la versión de Sports Illustrated o TIME para el IPad, no sería descabellado pensar que dicha plataforma o similar podría poner en jaque la función del papel en la prensa escrita.
¿Una locura? Tal vez, pero creo que la respuesta pasa seguramente por una cuestión generacional, al igual que ha sucedido con la fotografía digital.
Podéis leer el artículo completo a través de este enlace: APPLEWEBLOG

Souvenir israelí.

Cuando todavía tenemos presente en nuestra memoria visual las imágenes de la prisión de Abu Ghraib con soldados americanos fotografiándose con prisioneros torturados y en actitudes vejatorias, un caso similar saltaba ayer por la tarde a las redes de información, esta vez desde Israel.




La agencia AP distribuía estas dos fotografías que la soldado israelí Edén Aberjil había colgado en su página de Facebook posando sonriendo al lado de prisioneros palestinos esposados y con los ojos vendados e identificados por medios de comunicación israelitas, bajo el título “El Ejercito, el mejor momento de mi vida.”

Según un teletipo de la agencia EFE, las fotos se convertieron en pocas horas en la comidilla de blogs y páginas de internet de izquierdas hasta el punto de que el Ejército israelí y el Gobierno palestino acabaron emitiendo comunicados al respecto.
"Es un comportamiento vergonzoso por parte de la soldado. Teniendo en cuenta que fue dada de alta el año pasado del servicio militar, todos los detalles han sido entregados a los comandantes responsables, con el objetivo de darle un mayor seguimiento", señaló la Portavocía del Ejército.
El Ejército no tiene la potestad de impedir la publicación de las fotos porque Aberyil ya ha acabado el servicio militar. Para el Gobierno palestino, las fotos "muestran la mentalidad del ocupante, orgulloso de humillar a los palestinos". "Nada en el mundo puede justificar esta humillación que forma parte de las prácticas diarias de la ocupación israelí. La ocupación es injusta, inmoral y, como muestran esas imágenes, moralmente degeneradora".

Acaba el Ramadán.

Desde Ramallah nos ha llegado esta imagen de un joven palestino celebrando el final del Ramadán. Su autor es el fotógrafo de la agencia Reuters Muhammed Muheisen.

Llanto inferior derecha.

Veamos hoy este curioso ejemplo de tres imágenes, prácticamente con la misma composición.
Llegaron desde la provincia de Gansu, al Nordeste de China, convertida desgraciadamente en otro punto caliente de información a causa de las fuertes inundaciones que está sufriendo.
Las dos primeras imágenes que llegaron a la redacción fueron las siguientes:

Fotografia Nº1

Fotografía nº2

Ambas fueron realizadas el 10 de agosto pero recibidas distanciadas en unas horas.
No recuerdo exactamente cual fue la primera pero poco importa en este caso. Recuerdo que no me llamó especialmente la atención, dentro del elevado número de imágenes que estábamos recibiendo por parte de las agencias internacionales.
Tras la comida, volví a actualizar el programa informático desde el cual controlamos la recepción de imágenes y de repente surgió la segunda. Me pareció haberla visto anteriormente pero no le di mucha importancia.
El día 12 llegaba la tercera.

Fotografía nº3
Fue en ese momento y fruto de la curiosidad, al ver de nuevo una composición que me resultaba “ familiar”, cuando decidí dar marcha atrás un par de días y buscar en el sistema las dos primeras imágenes. Se confirmaba mi suposición. Las fotografías era prácticamente calcadas a nivel de composición.

Intenté averiguar el autor de cada una de ellas. La número uno era del fotógrafo de Reuters Aly Song. El crédito de la segunda solo apuntaba “AP Photo”, sin el nombre del fotógrafo. La última en llegar, al cabo de dos días, repetía el último crédito “AP Photo”.
En el caso de AP , muy posiblemente se tratara de un stringer. Fotógrafos free lance que trabajan en la zona y venden sus imágenes a las grandes agencias.
La autoría podía aclararnos algo sobre el tema pero resultó imposible.
Personalmente dudo que se tratara de un mismo fotógrafo sino del uso de un mismo recurso a la hora de componer, en esta caso, prácticamente idéntico.

A la sazón de Pete.

Permitidme que prosiga con Pete a raíz de una conversación que tuvo lugar ayer en la redacción comentando la temática del artículo anterior.
Cierto es que todo los presentes estábamos de acuerdo en la falta de este tipo de imágenes en nuestros ámbitos de información y que en muchas ocasiones se debía a lo que había apuntado en el artículo anterior, un miedo atroz al ridículo.
Empecé a buscar imágenes de Pete Souza que tuviéramos guardadas en el archivo. Recordaba una en concreto realizada durante el Baile de los Gobernadores en la Casa Blanca. Era cálida y en ella veíamos a Obama bailando con su mujer con una sonrisa en su rostro. Curiosamente y ante mi sorpresa, Cristina Gallego la tenía en su ordenador ya que el día de su recepción le gustó y decidió guardársela. Fue una alegría volver a ver esa fotografía.


Busqué alguna más que nos sirvieran como ejemplo.




De repente una de las personas planteó una duda al observar la imagen de Obama corriendo junto a su perro por el interior de la Casa Blanca ¿y no estarán montadas?
Puede, sugerí, pero tanto la imagen del baile como la del mandatario y su esposa tomada en Washington momentos antes de la toma de posesión como presidente de los Estados Unidos destilan excesiva espontaneidad y ni mucho menos parecen montadas.
¿La del perro? Bueno, tal vez alguien sugirió esa situación pero… quien lo hizo tuvo una brillante idea. Tal vez fuera Rahm Emanuel, mano derecha de Obama encargado de toda su proyección política hasta llegar a la Casa Blanca y actual Jefe de Gabinete, o tal vez fuera otro asesor, que más da. La imagen es buenísima y lo que están vendiendo es una, digamos, marca comercial y saben muy bien como hacerlo.
Con esto no estoy defendiendo el hecho de montar imágenes, ni mucho menos. Pero ¿cuántas veces hemos ido a realizar una sesión de fotos de cualquier motivo y los encargados del evento han colocado al personaje absolutamente a contraluz o en una localización realmente deplorable?
Es ahí donde aflora la falta de conocimientos de nuestros “queridos” y diversos asesores de imagen a los cuales debemos soportar.

¿Who is Pete?

¿Has visto la foto que ha hecho hoy Pete?
Esta es una de las preguntas que a menudo suenan en la “Aldea Gala”. Pero os peguntaréis ¿Quién es PETE?
De apellido Souza, es el fotógrafo oficial de la Casa Blanca, vamos, el ojo que nos transmite el día a día del señor Obama allí donde se encuentre.
Fotoperiodista de amplia trayectoria, sus fotografías conllevan ese punto “casual” que tanto echamos de menos en los gabinetes de prensa de nuestro país.

Souza a la izquierda de la imagen.